La pintura del Renacimiento centró su atención en un renovado interés por la figura humana y las formas de la naturaleza, así como por productos literarios y artísticos del mundo clásico.
El Renacimiento fue un movimiento artístico-cultural que se desarrolló en Europa desde el siglo XIV hasta principios del siglo XVI que tuvo al hombre en el foco de interés.
Durante este período se produjo el tránsito de la Edad Media a la Moderna, y con ello la aparición de las ciudades-Estado y el ascenso de la burguesía, además de producirse descubrimientos que cambiaron la forma de ver el mundo y de vivir, como vimos en el artículo sobre el origen y las características del Renacimiento.
En este contexto, el individuo se ubicó en el centro de las reflexiones filosóficas, artísticas y científicas (antropocentrismo). El término renacer hace referencia a la recuperación de los valores de la Antigüedad clásica, volviéndose fuente de inspiración para las nuevas obras los textos grecolatinos, los monumentos escultóricos y la arquitectura del pasado.
Cuando la gente de entonces deseaba elogiar a un artista o a un poeta decían que su obra era tan buena como la de los antiguos.
Historia de la pintura del Renacimiento
Italia fue el foco del primer Renacimiento, mientras en otros países de Europa aún persistía el Gótico, como por ejemplo en Inglaterra.
Sin embargo, en los inicios la diferencia el paso de un movimiento artístico a otro fue paulatino, pudiéndose ver elementos del gótico aún presentes.
Plantea Ernst Gombrich que «no es de extrañar que esta idea se hiciera popular en Italia. Los italianos se daban perfecta cuenta del hecho de que, en un remoto pasado, Italia, con Roma su capital, había sido el centro del mundo civilizado, y que su poder y su gloria decayeron desde el momento en que las tribus germánicas de godos y vándalos invadieron su territorio y abatieron el Imperio romano».
Fue en la opulenta ciudad mercantil de Florencia durante las primeras décadas del siglo XV, donde un grupo de artistas se puso a crear deliberadamente un arte nuevo rompiendo con las ideas del Medioevo.
No obstante hubo artistas como Giotto di Bondone quienes marcaron la transición hacia la nueva pintura.
Primera generación en la pintura del Renacimiento italiano
Giotto di Bondone fue un arquitecto y pintor, considerado el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de su tiempo y explorar las orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento.
Entre 1302 y 1305 cubrió los muros de una pequeña iglesia de Padua, en el norte de Italia, con temas extraídos de las vidas de la Virgen y del Cristo. Pintó, además, personificaciones de las virtudes y los vicios,
semejantes a las que ya habían sido colocadas en los pórticos de las catedrales nórdicas.
Esta es una pintura que guarda una similitud con las obras de los escultores góticos. Pareciera ser una estatua por las profundas sombras en los flotantes pliegues del ropaje, el modelado del rostro y del cuello y el escorzo de los brazos, apreciándose la utilización de la perspectiva.
Giotto redescubrió el arte de crear la ilusión de la profundidad sobre una superficie plana, algo que será más notorio en La Santísima Trinidad de Masaccio. Este fresco realizado en la iglesia de Santa María Novella, Florencia, hacia 1425-1428 es una de las primeras pinturas ejecutadas de acuerdo con esas reglas matemáticas.
Se aprecia una simplicidad, emotividad y sinceridad en las figuras encuadradas por la nueva arquitectura. «En vez de graciosa delicadeza, veían pesadas y macizas figuras; en vez de suaves curvas, sólidas formas angulares; y en vez de menudos detalles, como flores y piedras preciosas, no había más que un sepulcro con un esqueleto encima», describe Gombrich.
Como ya se puede dilucidar, el desarrollo y uso de la perspectiva fue importante en el Renacimiento. Esta técnica de representación sirvió para acentuar la idea de realidad y crear escenarios llamativos.
Segunda generación
Piero della Francesca dominaba por entero el arte de la perspectiva agregaría otro nuevo de igual importancia: el tratamiento de la
luz.
Los artistas medievales apenas tuvieron noción alguna de la luz. Sus planas figuras no proyectaban sombras.
En su cuadro El sueño de Constantino, la luz no solo ayuda a modelar las formas de las figuras, sino que se equipara con la perspectiva para dar la ilusión de profundidad. Asimismo, crea la misteriosa atmósfera de la escena.
Pero con la segunda generación de artistas también surgieron nuevos desafíos, entre ellos el de hacer que la perspectiva no rompiera con la armonía lograda en los conjuntos.
La nueva facultad del artista dificultaba la distribución de las figuras. El pintor Sandro Botticelli en la segunda mitad del siglo XV fue quien encontró la solución. Esta se ve en el cuadro El nacimiento de Venus, en el cual el artista resigna la exactitud anatómica y la solidez de las figuras en pos de un esquema perfectamente armónico.
Arte flamenco
Jan van Eyck fue el representante máximo del arte de los Paises Bajos, quien mostró paciencia y cuidado infinitos en sus creaciones. Logró un grado de perfección tal que dejó atrás las ideas del arte medieval.
Mientras los maestros florentinos desarrollaron un método mediante el cual la naturaleza podía ser representada en un cuadro con científica exactitud, el pintor flamenco emprendió el camino opuesto.
Con el primer método los artistas trazaban la armazón de las líneas de la perspectiva y luego plasmaban sobre ellas el cuerpo humano mediante sus conocimientos de la anatomía y las leyes del escorzo.
Por el contrario, van Eyck logró la ilusión del natural añadiendo pacientemente un detalle tras otro hasta que todo el cuadro se convertía en un espejo del mundo visible.
Además, consiguió una prescripción nueva para la preparación de los colores antes de ser colocados sobre la tabla: el óleo. Este le permitía conseguir transiciones suaves fundiendo unos con otros.
La maestría y atención al detalle del artista puede apreciarse en el retrato del comerciante italiano Giovanni Arnolfini y su esposa Jeanne de Chenany. Con esta obra revolucionó el género pictórico.
Pintura renacentista características
- Se sistematizaron las leyes de la perspectiva.
- La observación de la realidad y la búsqueda por imitarla determinaron el carácter naturalista en la composición de la figura humana y de los objetos.
- Para alcanzar la ilusión de realidad, se desarrollaron técnicas y recursos como las veladuras y el sfumato (esfumado).
- La admiración por la cultura de la Antigüedad también influyó en la
reaparición del género del desnudo. Se retomaron los estudios anatómicos, de las proporciones y las relaciones armónicas entre las partes del cuerpo, los cuales se trasladaron a la representación de la figura humana en las obras.
Técnicas de pintura utilizadas durante el Renacimiento
La perspectiva
Los artistas comenzaron a aplicar la perspectiva lineal o matemática para poder sugerir profundidad. Se construye con líneas que se proyectan hacia un punto de fuga.
El segundo método para representar la profundidad espacial fue la
perspectiva atmosférica o aérea, que consiste en acentuar la ilusión de distancia por medio del cambio de colores. Como explicaba Leonardo da Vinci en su Tratado de pintura, a medida que nos alejamos del primer plano, los colores se tiñen de tonos azulados y los objetos pierden nitidez.
Pintura al óleo
La pintura al óleo es otro elemento importante para el desarrollo del arte pictórico. Esta es una técnica en la cual los pigmentos se mezclan con aceite logrando un acabado brillante y que los colores resalten y perduren. Además, dan más tiempo al arista para trabajarla al ser de secado más lento que la pintura al temple o témpera, utilizada con anterioridad. Para lograr esta última se recurría al agua como disolvente del pigmento y el aglutinante solía ser huevo.
En el siglo XV, los Países Bajos atravesaron un importante desarrollo económico y artístico. En ciudades como Brujas y Gante, se originó y desarrolló la escuela de pintura flamenca, cuyos artistas perfeccionaron la técnica del óleo para lograr una representación más naturalista, que pudiera reproducir las características visuales de los objetos y de la naturaleza.
Veladuras y sfumato
Los artistas lograban reproducir las sensaciones táctiles mediante la superposición de capas muy finas de óleo de forma que se transparente la capa inferior (veladura).
Además, se fundían luces y sombras creando un efecto difuso y sin marcas mediante el sfumato. Se obtiene también una sensación de mayor profundidad y gestos suaves y dulces. Estudios sobre la Mona Lisa arrojaron que Leonardo da Vinci utilizó hasta 30 superposiciones de pintura para conseguir las gradaciones.
Pinturas del Renacimiento y sus autores
Mona Lisa, de Leonardo da Vinci
La escuela de Atenas, de Rafael Sanzio
Análisis La escuela de Atenas de Rafael Sanzio
Las estancias vaticanas, de Rafael Sanzio
Pinturas de la Capilla Sixtina en el Vaticano
La última cena, de Leonardo da Vinci
El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli
La experimentación plástica y la búsqueda de diferentes soluciones, tanto de composición como de color, por parte de artistas como Rafael y Miguel Ángel marcaron el inicio de una renovación del lenguaje plástico que llevó a la gestación de nuevas formas expresivas que dominaron el siglo a partir de los años 1520.
Se aprecian notables distorsiones en la representación de la figura humana, con cabezas pequeñas, miembros que se alargan y presentan poses ondulantes. Asimismo, los personajes visten ropajes de colores poco saturados, pálidos y tenues, que se alteran muchas veces en sus sombras y reflejos, provocando cambios de luz y color (cangiamento).
Podría resultarte interesante conocer el contexto histórico en que se desarrolló el Renacimiento y la evolución de su escultura o analizar las diferencias con el Gótico y el Manierismo.
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Hola. Quisiera saber como se le decía a la técnica compositiva de dejar una vista del paisaje tras una ventana, en el fondo de las pinturas renacentistas. Gracias de antemano y muy buena pagina.